Propuesta

Video expermiental

Mi idea comienza jugando con los movimientos de camara, acercandonos hacia el personje y siguiendole al ritmo que este lleva. 

Recopilando recursos cinematograficos de cineastas como Tarkovsky, Bergman y Lynch, construire una serie de imagenes que sin mantener una narrativa especifica, dan lugar una a la otra, acompañadas de un diseño sonoro que prueba su fuerza y su verdadera escencia no solo como imagenes fijas sino tambien como video.

Adoptare los movimientos de camara de Tarkovsky o por lo menos eso intentare, siguiendo a un personaje femenino a lo largo de un dia, una caminata por las calles, el metro y a los restaurantes antiguos de la ciudad. El audio no sera directo, ira desfazado y se ira entrecortando con la escena,remontandonos un poco al estilo de La Jetee.

 Ej. Si nuestro personje entra a un bar , esucharemos murmullos, seguidos por estridentes ruidos sirviendo vino. Existiran momentos donde la camara sigue sin parar , despues habran momentos de fotografia estatica. 

Me gustaria darle una ambientacion como de los años cincuentas , una especie de introspectiva del propio personaje durante su recorrido de un dia, sin hablar , sin gritar, ni conversar con otros, al fin nos daremos cuenta que el recorrido , fueron los ultimos momentos de este personaje que al final de la pelicula descubrimos se ha quitado la vida desde un principio.

Line de tiempo Ingmar Bergman

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Un chien andalou de Luís Buñuel

La única regla para escribir el guión de un perro Andaluz que acordaron ambos autores Luís Buñuel y Salvador Dalí fue que ninguna de las imágenes debía de ser ni siquiera lejanamente racional y explicativa de su propio contenido. Si algo es característico de esta película es que cada imagen trasciende por si sola, sin necesidad de todas como un solo.

Las constantes alusiones de acciones que se hacen dentro de la película me parecen un elemento importante, como aquella primera y famosísima escena en la que la navaja atraviesa al ojo a la mitad, mientras que la luna es atravesada por la nube en horizontal, genera una armonía en las escenas al verlas juntas, como ocurre en muchas otras ocasiones.

Las dobles perspectivas, cuando el personaje masculino la empieza a tocar y tiene una especie de orgasmo, evidente a quien lo mira, a trabes de dos tomas mostrando dos estados de lo mismo , captamos exactamente , la situación en que se encuentra este sujeto y mejor aun , lo que esta sintiendo, dejando asomar los filos de su propio sadismo.

Un lenguaje retador, completamente surrealista, experimentador sin limites.

Dalí deja vislumbrar los escenarios y las situaciones mas lejanas a nuestra comprensión, como las hormigas en las manos y los animales muertos encima del piano, nos transporta y nos hacen sentir de inmediato. Me recuerda a la sensación que provocan sus pinturas. La película rompe con todo tipo de estructura u orden necesario, ambos sabían que no necesitaban apegarse a ningún modelo para poder lograr el objetivo final, de hecho la clave de su éxito era alejarse completamente de el no con la idea de alejarse sino de poder dejar el proyecto ser.

Vuelve Buñuel a mostrar  una narrativa muy peculiar, que no significa jugar con el presente y el pasado, sino en como se va mostrando el mismo presente.

Quien dijo que los sueños solo se veían en el subconsciente estaba muy equivocado, porque aun así, se ven y se creen Ahora el cine podía provocar la duda y confundirnos sobre lo que es verdad y lo que es mentira e involucrarnos en un proceso mucho mas interesante como espectadores en donde debemos estar dispuestos a entrar sino queremos ser engañados y a interpretar las imágenes frente a nuestros ojos que buscan huir por completo de lo literal.

Ojos surrealistas....

"Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz". Luis Buñuel

Salvador Dalí

Salvador Dalí

El espejo

The Mirror de Andrei Tarkovsky

Aunque no existiera una historia detrás de la imagen, aunque no existiera una explicación , una razón de ser de la narrativa y un porque de la construcción. Aunque no existiera el argumento y el motivo del guión, la belleza estética , el ritmo y la ambientación ya son suficientes para que podamos gozar de un paseo sin precedentes en el poético mundo de Andrei Tarkovsky, quien mezcla la narrativa , con la imagen y la temática, creando una mezcla homogénea que parece haber surgido desde un inicio como una sola.

La cámara no se mueve, la cámara transita al ritmo de la escena del lugar y de la acción. No llevamos ni dos minutos al inicio de la película cuando la cámara ya se ha acercado poco a poco por detrás del personaje femenino que espera con toda la tranquilidad viendo hacia un campo que nos trae un extraño aire de paz y nostalgia. Tarkovsky, al igual que Parajanov radica su atención y mirada en la belleza de la construcción de la imagen, la cual complementa a la película como la banda sonora complementa una opera. No hay coincidencias, todo tiene un motivo de serla cámara deja de ser cámara y se mimetiza en  las escenas, encuentra una razón de ser y un porque en cada momento.

El constante juego con el tiempo, con una narrativa descompuesta que se muestra a veces inconclusa para liberar los secretos poco a poco y hacernos aun mas fuerte la caída cuando se acerca el final. Es ahí donde radica el elemento mas distintivo, las historias podrían ser simples, lo que les da vida es la forma en la que las notamos.

La banda sonora al igual que el diseño sonoro, son los repuntes de las pinturas de Tarkovsky, donde todo complementa de forma homogénea y complementa las partituras de sus películas que se mueven como piezas musicales.

El espejo

 

El espejo

El espejo

Through A Glass Darkly, Bergman

The seventh seal, Bergman

Persona, Bergman

Persona, Bergman

El espejo

Sayat Nova de Sergei Parajanov

Como los trípticos del Renacimiento y las visitas interiores a los museos. Así me siento con Parajanov, aunque la mayoría de veces las pinturas dejan mi mente mas rápido de lo que uno cree, Parajanov se impregna.

No hablare como gran conocedora de la temática, pero hablare del viaje que tuve en ella. Una película detallada en escenografia, perfecta en cuanto estética visual. Cada escena, cada toma contiene detalle por detalle construido para su interpretación. A veces es bueno sentarse y saber ver sin querer responder cada pregunta a la que según nosotros creemos tener la respuesta. Parajanov habla con sus imágenes la voz del inconsciente, entra como mensaje subliminal que tarda un par de días en manifestarse.

Su fotografía es preciosista, el vestuario y el diseñó de arte es preciso y elude a la historia. Sus elementos repetidos constantemente, como el movimiento pendular y las escenas que retratan a un personaje en distintas cercanías y ángulos, como si fragmentáramos las imágenes para poder acercarnos mas. Es intimista y nos da tiempo para poder establecer ese lazo mucho mas cercano con lo que se ve en pantalla.

Un cine poético que no busca hablar para poder ser comprendido. Simplemente entra y después es comprendido. Me encanta el color, la edición, la combinación de encuadres y la posición estática de la cámara. Me encanta visualmente y me encantaría pensar que solo admirando entenderemos, pero es un hecho que Parajanov va mas allá de mirar , sin conocimientos previos es muy difícil adentrarse dentro de un mundo tan complejo, construido de muros tan altos y perfectos.

Pasolini

Eraserhead de David Lynch

A pesar de que no me considero fanática de la película apartando a Lynch y su trabajo como director, encuentro en  el y por lo tanto le reconozco haber sido el primero en estructurar las bases de un cine, que alimentaría  la industria fílmica por años enteros y desataría las mentes de los creadores de las historias mas famosas e icónicas del cine comercial de nuestros tiempos, que no dejan a la salida del cine atónitos por sus innovaciones y su mentes creativas. Uno se preguntaba tantas veces donde terminaba la mente de estos directores soñadores, que navegaban sin fronteras por su imaginación, pues creo que seria mejor preguntarnos donde comenzaron sus mentes y esta pregunta sin lugar a dudas nos llevaría a David Lynch.

El mismo argumento de la película por mas que se aleje de nuestras guiones dramáticos favoritos, es una revolución del cine en aquella época. Un trabajo diferente, creando atmósferas , con iluminaciones oscuras y sonidos ambientales permanentes que nos hacen sentir en algún planeta lejano. Las escenografias futuristas, que no buscan con pretensión dentro su lejanía en el tiempo sino la visión de un director que sabia lo que quería de su espacio y por lo tanto este se plantea real.

Las luces y las sombras, los contrastes, alumbrando aquellos elementos clave, enfatizando las acciones y los gestos de los personajes que poco a poco se pierden en las sombras y los tonos negros de la escena que funcionan como cortinas que nos impiden ver con claridad el resto de la acción provocando una extraña sensación de miedo y de constante incertidumbre. Los personajes introvertidos, que se muestran en escena pero que solo nos dejan ver una sola cara, manteniendo al espectador dudoso de sus acciones , preguntándonos sin saber como es que reaccionaran esta ves. Los veo, mas no los conozco del todo, no podría confiar en ninguno de ellos.

Todos estos elementos unidos a la perfección con un diseño de audio que despierta la escena. Los sonidos exagerados, el viento y los llantos del bebe extraterrestre terminan por poner nuestros nervios de punta. Los encuadres chuecos en los que a veces perdemos el techo del piso y la sensación de estancia ; con Lynch a veces no se donde estoy, pero me queda claro que no estoy viendo su película sino que me encuentro atrapada en alguna dimensión de su mundo.

El sello es distintivo, me queda claro y su técnica es perfecta, nos atrapa aunque no queramos. Siempre existe esta intriga y morbo por entender que es lo que esta pasando, que hay debajo de las vendas de ese bebe extraterrestre?. La maternidad vista como la peor pesadilla.

Porque juzgar al cineasta si no somos amantes de su historia? no debería de existir respuesta a esa pregunta al igual que deberíamos de gustar de un cineasta a pesar de no gustar de su historia. Lynch es un maestro del espacio, la ambientación, la tensión de los actores y este mismo, de los efectos y de las sensaciones que provoca un mundo tan frió y desolador como el de Eraserhead.

Eraserhead de David Lynch

Eraserhead de David Lynch

Eraserhead de David Lynch

2001 space odyssey

2001 space odyssey

Alien

The elephant man

Metropolis

Blade runner

Contemporáneo de nuestra época

Un cineasta cuya critica perdura y hace sentido aun en nuestros tiempos, no es solo un cineasta sino un excelente visionario. Así me paso con El discreto encanto de la burguesía, su critica ,aun critica. Una sociedad burguesa , que maneja una doble vida en donde plasman sus mejores fachas y modales mientras que se acuestan abajo de la mesa los unos con los otros. La doble moral burlada desde el fondo de la ironía y el sarcasmo divinamente casados.

El fotograma

Los Olvidados

Un perro andaluz

Viridiana

Simon del desierto

El angel exterminador

Estoy segura que Buñuel podría encontrar buenas herramientas de construcción en una sociedad como la nuestra que se jacta de ser liberal mientras que las mujeres esconden su perdida de virginidad porque es pecado antes del matrimonio y los hombres quieren casarse con ellas que esconden el haberla perdido. Pero lo que hace aun mas placentero a este dialogo sin filtros ni barrearas es la época en la que su creador decidió exponerlo y como lo hizo. Empezando por la fotografía, calida y construida que nos recuerda a los programas de televisión estadounidenses donde las amas de casa preparan el desayuno a los niños y despiden a un esposo que parte felizmente a su jornada diaria de trabajo. La propuesta estética tan recargada y perfeccionista enfatiza el tono irónico y burlón de la película, en donde los personajes se ven aun mas ridiculizados por su acciones efímeras cargadas de hipocresía.

El manejo de los actores es esencial, debido a que las actuaciones que empiezan por ser individuales terminan por conformar perfectamente al grupo dando sentido a la forma de ser de cada uno de ellos. Se complementan como grupo, por eso es que las escenas son tan perfectas y los comportamientos tan naturales.

 

La doble realidad y la puerta constantemente abierta al sueño, son elementos fundamentales de la película. Realmente no es una doble realidad sino el planteamiento de esta lo que nos conduce a vivir experiencias no reales de forma real dentro de la película. Es como si nos hicieran creer algo, para después burlar en nuestra cara que no es cierto. Buñuel entra y sale de estos personajes sin ningún problema, los toma para hacer con ellos lo que quiera y después volverlos a tirar. Nos adentramos de forma sutil y tranquila a cada uno de ellos adentrándonos en la atmósfera a la que pertenecen para después ventanearlos por completo mostrarlos al desnudo despedazando su reputación en la pantalla y frente a ellos mismos.

La edición, da ritmo a la historia y abre la posibilidad de jugar con el espectador. El orden de los factores si altera el resultado en las películas de Buñuel, quien coloca cada escena en un lugar especifico para desatar las emociones y los engaños que el desea evocar. Un sentido del humor muy particular.

 

Wittgenstein de Derek Jarman

No pudo dejar de pensar en las caricaturas de zaz, que buscaban por delante de todo, dar un mensaje educativo a los niños que alzara la moral y los valores de la sociedad, detrás de unos disfraces un poco descepsionantes y unas escenografias que dejaban mucho que desear.

Se trataba de opinar, pues voy a opinar. Wittgenstein no me gusta, no me gusta nada. Si el argumento , pretexto, para disfrazar a una bola de personajes extraños es hablar de filosofía, creo que prefiero leer un par de textos fotocopiados que ver a una Tilda Swinton, tan desencajada en un papel tan forzado como el resto del cast.

La escenografia, no existe, es una especie de simulacro, de ficción creada por el mismo espectador en base a los elementos evidenciarios por parte de los actores, creo que en ese sentido es interesante la propuesta , pero hasta ahí. En dogville con un humor y un ambiente mucho mas denso y hostil, pudiéramos sentir los mismos principios en donde los lugares se remontan a ser invisibles dentro de un set de pisos negros e iluminaciones artificiales, pero ahí la propuesta si funciona. Creo que el error radica en tan exagerada y colorida producción de arte, en donde las líneas filosóficas de los personajes se pierden en los verdes fosforescentes de los disfraces. Creo que los principios son buenos y originales pero estoy muy lejos de simpatizar con el producto final.

Pero a pesar de todo, Jarman logra un estilo, con tonos teatrales y contenidos profundos, que desafortunadamente se van perdiendo poco a poco en un tratamiento que termina por ser sentirse infantil. Pero cada quien, a lo mejor Jarman necesitaba apapachar al niño interior.

Hablando de puestas en escena.....

Lars von Trier, dogville

Lars von Trier, dogville

 

Mad for 'Lucia' at the Met

Tosca

Angela Gheorghiu as Tosca

Una secuencia de coincidencias perfectamente bien calculadas

Es justo ahí donde radica la belleza de The Way the Things Go de Fischli & Weiss, donde los hechos aparentan ser naturales , meras coincidencias que nos hacen dudar de si el siguiente movimiento continuara con la dinámica del video. Pero lo que si es un hecho es que cada movimiento esta estrictamente calculado, cada copa, cada mesa, cada llanta , vidrio y madera esta colocada a la distancia perfecta para continuar en esta serie de comportamientos en cadena, activados también por líquidos como espuma y ácidos que aparentan hacer combustiones imposibles, pero que han sido probados varias veces para confirmar su papel, en esta gran puesta en escena.

Me gusta la idea, me parece brillante, finalmente la expectativa siempre se mantiene frente al publico y frente al creador mismo, puesto que a pesar de las continuas pruebas ,no creo haya existido una probabilidad exacta de que no habrían fallas. Poder hacer de objetos materiales inertes una sinfonía de ruidos y de acciones me parece no solo entretenido sino también muy original. El seguimiento de la cámara es callado y perseverante, convirtiéndose en el elemento que da tensión al momento de espera constante a que las cosas salgan bien. A pesar de sus cortes evidentes que no aparentan no querer serlo, el video corre con fluidez, provocando una enorme expectativa sobre el final de este grandísimo efecto domino, en donde no solo se juega con la física y la química sino también con la probabilidad, la coincidencia y la exactitud.