Fisherman at sea de William Turner

Tenia que ser una pintura que implicara un reto a nivel visual, de entrada Turner me parece uno de los pintores mas interesantes, no solo de su época el Romanticismo sino dentro de cualquier momento artístico. Sus obras tienen una capacidad de sobrecoger a quien las mira aunque sea por unos segundos, es un poder que a mi punto de vista solo he experimentado con pocas obras y las mas poderosas seguirán siendo las de  WilliamTurner. Desde que tuve la oportunidad de ver algunas de sus pinturas en vivo, siempre existió un aire de incertidumbre y casi miedo que sentía irremediablemente al verlas. Catástrofes en el mar, barcos hundiéndose, grandes olas en movimientos , iluminadas por cielos entre abiertos , con nubes que reflejan distintos colores.

Turner me hace sentir frágil, sus obras como las de ningún otro artista me hacen sentir pequeña, como si nos despojara de nuestros bienes y nos soltara al mar, a la deriva , una sensación de destino fatal pero a la belleza de majestuosidad natural. Finalmente es lo que pintaba Turner, las fuerzas de la Tierra, del agua y lo minúsculo que es  el hombre frente a ellas. Cuando presenciamos huracanes o escuchamos las olas del mas tronar sin piedad alguna, cuando vemos el cielo abierto y miramos las estrellas o las nubes moverse por debajo del sol, empujadas por el viento, así me hace sentir Turner, afuera, desprotegida, sola. Una manera única de captar el paisaje y su movimiento , manteniendo eso esencia de realidad única, que se ven reflejada en sus cuadros como en los de ningún otro paisajista.

Elegí fisherman at sea, porque tengo que decir con sinceridad es una de las obras por las que siempre me he sentido abiertamente confrontada, tanto que nunca ni aunque sea frente a la pantalla de mi computadora he logrado ver por mas de tan solo unos segundos. La oscuridad del atardecer, con apenas unos rayos de luz que se dislumbran a través de las nubes que rondan como remolino, apenas vemos iluminada una lancha cargada de pescadores que parecen estar abandonando los restos de su barco que poco a poco se pierde entre las olas, en medio de una onda gigante de agua, que los hace ver tan frágiles y endebles, que nos dice que sus vidas tal ves no verán la luz por mucho, apenas resisten estos marineros. Algunos barcos de fondo y después de eso un par maquiavélico y poderoso.

Después de unos minutos las olas empiezan a moverse, y lo que eran pequeños brochazos blancos , se convierten en salpicones de espuma de agua de mar. La lancha se mueve y quienes van dentro de ella también. Se siente la fuerza de un mar furioso al que nadie esta dispuesto a confrontar.

Las nubes se mueven claramente , mientras que el mar no para de subir y bajar, los rayos de luz del sol van cambiando y reflejando nuevas formas en la superficie de agua platinada. Si nos asomamos al fondo la bruma se abre y encontramos u mar abierto que nunca termina, una profundidad tan perfecta como la de una fotografía. Al pasar del tiempo continua el movimiento, la pintura parece fotografía y después la fotografía parece un video. Por unos instantes me sentí dentro, uno de los marineros parece haber caído al agua y estar lejos de la lancha, será que compartimos su desesperanza? Me imagine viendo a través de sus ojos, como el bote en el que venia se va alejando inevitablemente, solo veo las caras de quienes le gritan como se funden entre las olas que a veces son tan altas que nos permiten ver los grandes barcos de fondo y a veces son tan bajas que nos recuerdan nuestro fin irremediable.

Los barcos que se ven al fondo a veces se sienten mas cerca, a veces se sienten mas lejos, el cielo es perfecto, es idéntico. Haber estado dentro de la pintura por un largo tiempo de pronto me saca con un movimiento de mi propio pie, que me espanta y me pone casi de pie. No pude evitar pensar que el haber colocado mis sentidos  o por lo menos haber intentado sumergirme en la pintura, me aíslo a tal grado, que desconocí el movimiento de mi propio pie, como después paso con una canción que tarde en cambiar que me subió los latidos del corazón poniéndome sumamente nerviosa. Todos los sonidos ajenos a la pintura y a la música que le destine únicamente a este experimento se multiplicaron, todo sonaba mucho mas fuerte, sin considerar por supuesto que ya era la una de la mañana y que a esas horas tiendes a estar mucho mas alerta.

Decidí regresar por lo que quedaba de este momento e intente pensar a través de los ojos de Turner. Desde donde es posible pinta semejante cosa?, tal ves no era una abstracción de la realidad sino de sus propios sueños y pesadillas.

Amadeus sin audio

Me pareció interesante elegir Amadeus de Milos Forman dirigida en el ano  de1984. Un conjunto de extraordinarias cualidades hacen que esta una de mis películas favoritas, tal ves a ido perdiendo lugar con el pasar del tiempo pero aun así cada ves que la veo de nuevo, vuelve a provocar la misma sensación de euforia conmovedora que provoco en mi la primera ves que la vi. Una combinación sabia entre artefacto musical y visual, no cualquiera puede tomar la batuta de llevar a la pantalla grande la vida del compositor mas importante de la historia y mucho menos atreverse a compartir escenas con sinfonías que nadan en la perfección.

A pesar su ambientación que nos recuerda a los cuadros de la época de Maria Antonieta, siempre ha cruzado por mi mente la grandisima pregunta de si mucho de lo que esta película es, lo es por si misma o porque tiene al maestro de maestros dirigiendo la orquesta al espectador. Desde Las bodas de Fígaro a los tonos mas altos de una soprano ligero que arrebata el momento con la Reina de la noche, me pregunto si es Milos Forman quien dirige esta película o si finalmente son las partituras de aquel afamado compositor, las que llenan de vida a la audiencia.

Los primeros minutos de la película en donde todavía alcanzamos a ver los créditos a un costado de la pantalla, nos llevan en dentro de la casa de Antonio Salieri, quien acaba de cortarse la garganta en un intento de suicidio. Al principio no pude dejar de pensar en los violines de la sinfonía no. 25 Allegro con Brío, que suelen escucharse al fondo de aquella intensa secuencia, era como si una grabadora interna reprodujera la música sin que yo la pudiera parar. La caminata a través de la nieve, las carretas, los caballos , algo faltaba en mi querida versión de Amadeus, sin ni siquiera el sonido de las pisadas sobre las calles empedradas. Los diálogos dentro del manicomio, los gritos de los locos y siempre la música de fondo, dejaban un hueco extraño, que me hacia pensar constantemente en como me gustaría subir el volumen de la televisión.

Pero como toda realidad sobrepuesta, termine por acostumbrarme y aprender a llenar ese supuesto vació , con detalles que nunca había percibido, de pronto mis ojos se hallaron libres de ver cosas que nunca había notado en una película que he visto mas de veinte veces y que a pesar de creer gozar tener el conocimiento absoluto sobre ella, comencé a darme cuenta que tal ves será esta la primera ves que me daba la oportunidad de verla, sin el monstruo de la música que robara mi atención y me privara de los placeres visuales.

Los encuadres y hasta el mismo movimiento de la cámara comenzaron a acentuarse cada ves mas. Tomas que he repetido en mi cabeza una y otra ves, parecían distintas, por algunas razón. Los colores del fondo las sillas, y hasta el lugar donde Amadeus coloca su sombrero al sentarse en el piano del Palacio real, parecían detalles nunca antes conocidos por mi, la gran fanática de la película que coloco a Milos Forman.

Seguí concentrándome en los detalles meramente visuales, que tengo que decir son imposibles de captar con una sola vista. Estamos tan acostumbrados a que la experiencia frente a la pantalla absorbe nuestros sentidos por completo , que la capacidad de discernir la concentración se ha perdido al grado que nos volvemos esclavos codeándoos a un objetivo en particular, dejando pasar todos los detalles importantes por alto.

 Las acciones se hacían mas evidentes y hasta los gestos mas pronunciados. Es precisamente en una de las escenas en la que la esposa de Mozart visita a Salieri para entregarle las partituras originales de su esposo sin que este lo sepa, en donde me di cuenta que el talento de F. Murray Abraham viene con o sin el piano de Mozart y que su actuación es tan pura que conmueve sin tener que ser escuchada. El va leyendo las partituras mientras que la música comienza de fondo. Hago énfasis en este momento en particular, porque haciendo alusión al ejercicio me pareció interesante que como espectador teóricamente no deberíamos de escuchar la música durante esa escena porque todo ocurre dentro de la cabeza del personaje, pero ahí es donde un atinado Milos Forman supo complementar las majestuosas sinfonías construyendo una escena que navega en la sutileza y la sencillez recargándose únicamente en las facciones de un personaje que parece estar teniendo un orgasmo junto con el espectador al leer música tan perfecta que no deja nada mas que callar.

 

Las puestas en escena de La Reina de la noche o los bajos de Don Giovanni, se escuchan en la mente a pesar de ver la película sin volumen. La convicción con la que Tom Hulce quien interpreta a Wolfie, dirige la orquesta de la flauta mágica, siguen provocando esta extraña sensación de vacío en la que inconcientemente sabemos que nota es la que sigue. M parece que el trabajo del director es exacto, puesto que supo abordar a un músico como Mozart, sin querer nunca competirle y sin tampoco defraudarlo. Este tipo de música debe de ser acompañada dignamente a nivel de imagen y me parece que Forman supo crear el mundo ideal en el que se complementan música e imagen, sonido y color, sin estorbarse el uno al otro.

Es cierto que cuando veo Amadeus me hace falta escucharla también, pero al mismo tiempo es satisfactorio verla por primera ves.

Hablando de...

Hablando de buscar paralelismos con el pasado, Ken Rusell tiene la diestra de presentar una temática prácticamente intocable en su época y aun sumamente controversial en la década del dos mil en donde no solo recrea sabiamente la corrupción dentro de la Iglesia del Luís XIII sino que saca la verdad a la luz o por lo menos la personifica. A mi punto de vista un ejercicio similar al de Watkins , bajo esta cuestión de evidenciar y difamar las porquerías del poder, en cualquier forma que este se presente, finalmente es el mismo no es así? Como lo dije anteriormente , es como si colocara una cámara en donde nunca existió una y si es que existió, nunca seremos tan afortunados para que se nos permita conocer la verdad. No es el hecho de saber la verdad o no porque finalmente a mayor o menor escala estas atrocidades han pasado a la historia, es el hecho de recrearlas con tal habilidad lo que me parece desafiante y definitivamente característico de estas dos obras tan diferentes una de otra.

Las actuaciones son arrebatadoras una ves mas, un Oliver Reed con una mirada perturbante y Vanessa Redgrave que al cabo de unas horas no sabemos si nos da asco o termina por hacernos sentir lastima y desesperación. Se respira una atmósfera desagradable e donde cada personaje pareciera tener una imagen oculta. La ambientación , el arte y la escenografia , acertados para su época pero aun así con un tono perturbante , que hace sentir a las monjas presas dentro de la Iglesia en la que supuestamente escogieron vivir. El tema, tan hablado y tan poco escuchado. Me gusta la sinceridad con la que Rusell lo aborda, sin buscar exagerar ni forzar los hechos originales, creo que estuvo muy cerca de mostrar la realidad de aquella época.

Un tema como este tendría al amarillismo, y no dudo que el fin de la película en cierta medida es que lo tenga , que sea provocadora en cualquier sentido, siempre y cuando con un gran discurso que la fundamente, como creo que es el caso. La critica sigue siendo mas fuerte , no se deja encochinar por el tema perdiendo credibilidad, mas bien todo lo contrario. Rusell nos viaja al sentir de todo tipo de emociones y reacciones ante imágenes que nos brincar a la vista, ni el mas liberal de todos puede mirar esta película sin sentir alguna especie de repele ante las imágenes que observa.

La escena en la que el personaje de Vanessa Redgrave esta siendo castigada por sus pensamientos impuros hacia Jesús y hacia el personaje interpretado por Reed, llega a ser desagradable no solo por su carga violenta literal, sino porque corrompe nuestros paradigmas de purismo y santidad, convirtiéndonos en animales lejanos sobre todo del razonamiento. Algunos momentos de asco, otros de risa, que en este tipo de situaciones no es nada mas que conflicto disfrazado, porque finalmente el contenido nos sigue molestando. No quiero imaginar que si estas imágenes hoy en día , siguen provocando al espectador , el alboroto que debió de haberse generado en los anos setentas. Una película que pone en duda la credibilidad y critica la estructura falsa de la institución mas poderosa en la historia de la humanidad. A ningún arzobispo debió de haberle gustado, a alguna  monja debe de haberle parecido familiar, a mucha gente debió de haberle parecido ya sea blasfemia o bendita rebelión, justamente por eso se decide no mostrar su versión original.

Así o mas obvio, tanto que hasta vuelve gracioso. La verdad oculta? el que hoy en día no ve la verdad es porque no quiere? el que hoy en día no sabe de la corrupción del gobierno es porque no le conviene? el que hoy en día no acepto que el padre maciel era volador de niños hasta de sus propios hijos?, es porque raya en la hipocresía.

Dos cineastas que durante los anos setentas emprendieron proyectos que contaban con una carga critica buscadora de respuestas y de justicia de formas de no dejar la mentira impune, me encantaría poner que buscan justicia, pero probablemente ya es demasiado tarde. Me gusta pensarlos como dos herejes, que a pesar de no vivir en la época de la inquisición 500 anos después aun fueron juzgados por sus palabras y por sus contenidos tan temiblemente reales.

Punishment Park de Peter Watkins

Es acaso este documental artificio una premonición del futuro o mas bien es que lo que consideramos parte del futuro, nació en nuestro pasado desde hace ya mucho tiempo?

Ubicado en los años setentas, una nación inmersa en una guerra absurda y al parecer eterna, parece haber perdido la cordura, el abuso de control y de violencia llevados a su máxima potencia. Es aquí justamente donde Watkins decide sumergirse. A pesar de ser una recreación, no se si es el hecho de que se ve tan real que me hace sentir que lo que estoy viendo es verídico, o tal ves es que he visto tantas atrocidades que si sucedieron que son realmente parecidas al resultado en pantalla por lo que no tendría que dudar de su existencia verdadera. A veces no lo pensamos y hemos decidido olvidarlo prácticamente, pero muy independientemente del trabajo realizado en esta película, nosotros como seres humanos de estas generaciones parecemos ya traer incluido en nuestro disco dura, cargas de violencia, agresividad, lenguajes de abuso y manipulación que a nuestros ojos han funcionado como códigos de convivencia en el mundo, que terminan por ser nada fuera de lo normal ,parte de nuestra naturaleza.

Porque dudaría de un experimento como el de Watkins, una recreación para mi gusto casi perfecta? Si todo, absolutamente todo lo que tengo para compararla ha sido igual o peor. Una posición optimista o negativa por parte del director? de verdad importa? Creo que el verdadero merito es en haber fotocopiado la realidad con tal destreza y habilidad para que el espectador caiga en el juego a pesar de saber que no es real.

Las opiniones que buscan revelar algún tipo de verdad oculta siempre son dolorosas, sobre todo cuando es el gobierno quien esta tratando de ocultar las manchas de su expediente. Es lógico que la respuesta ante el publico generaría descontrol y controversia, una critica de tales dimensiones y con tintes de realidad era golpe bajo para cualquiera.

Las secuencias son naturales, las tomas sobrias, solemnes como las incertidumbres que viven aquellos que están siendo apuntados con una pistola. El también llamado sueño americano se desvanece en los primeros minutos de esta película, que no puedo negar despierta una sensación de impotencia y de perdida de exigencia, como si nos hubiésemos dejado silenciar desde hace mucho de aquellas cosas de las que nunca estaremos de acuerdo.

Las actuaciones son limpias, absolutamente todas. Cada quien sabe el personaje que desempeña y sobre todo sabe su inconformidad , ya sea de un bando o del otro. Vamos viendo como a poco a poco cada uno va perdiendo la forma y la cordura, se va alejando cada ves mas de sus bases hasta perder el control y la cabeza. Esta forma de poder como un monstruo absolutista, se ve reflejada en todo momento, la falta de comprensión y dialogo siendo castigada con falta de comprensión e intolerancia al dialogo. El que busca ser escuchado se desespera y recurre a la violencia, mientras el que debe de impartir el control se vuelve autoritario y violento también. Violencia igual a violencia. Me sigue extrañando por que el gobierno no comprendía que los jóvenes se sublevaran de pronto, es lógico que quien trata de hablar y no es escuchado termina gritando.

La tensión se mantiene siempre, como un hilo que esta siendo estirado con la fuerza exacta para mantenerse tenso y nunca  caerse. Las secuencias de desierto árido y caluroso, nos asfixian, hacen que depronto todas las razones de su lucha empiecen a perder sentido, ante semejante acto de salvajismo y estupidez. Si hacemos recuento de los danos, han pasado 40 anos de que Watkins, filmo este documental película, y las similitudes son impresionantes, al grado que lo sentimos en aires contemporáneos.

No me costaría pensar que una situación así se vivió, durante los movimientos estudiantiles del 68 en la ciudad de México o durante las guerras en medio oriente, en donde la gente ya no sabia ni porque ni por quines peleaban con tal de destruirse unos a los otros. Un enpoderamiento que ha sobrepasado las fronteras y  por otra parte una constante impotencia por la prohibición a los ciudadanos de  manifestarse libremente en contra de una fuerza impartida, algo que vemos a diario hoy en día.

Esta ridícula obsesión por colonizar las mentes de los jóvenes, por lograr un objetivo en común que los prive de alcanzar lo que sus aptitudes verdaderamente les permiten, para facilitar la marcha de una sociedad que navega con bandera de perfección y sanidad, mientras que a espaldas de otros, organiza guerras que asesinan a miles para responder a sus deseos, mas no necesidades. Es un tema sumamente recurrente y también familiar. Creo que el merito es doble, en este documental, en cuanto a construcción de una propuesta que hace un simulacro sumamente tentador de la realidad y sobretodo una llamada de atención que deja la puerta abierta en el espectador a echar la mente a volar y a pensar en cuantas situaciones parecidas a esta se han vivido y se viven actualmente. De como nos encontrábamos en ese entonces y como nos encontramos ahora, un reflejo bastante parecido pero que ha tendido a empeorar. 

Vietnam

Tlatelolco

Irak

Cosas de Frampton...

Un afamado artista también considerado eminencia del cine experimental Hollis Frampton nos muestra una cara distinta de la imagen y lo que esta en secuencia conlleva. Mucho mas arraigado en el concepto de la imagen en si, al igual que Brackage, Frampton busca devolver la vista al ojo, el descubrimiento de la forma y de la imagen como tal, sin sonido, ni voces, ni significados que nos lleven a conclusiones especificas, simplemente ver la imagen tal y como es. Lo que si es un hecho es que Frampton radica en la búsqueda de la forma y a través de eso, de los distintos significados que un solo objeto puede tener. Las distintas lecturas y caras de una imagen que no esta siendo alterada ni el objeto en ella distorsionado y que aun así son capaces de cambiar y conforme a su cambio , transformar su esencia.

Lemon, seria la mas clara explicación y aparentemente la mas simple. Con ciertos movimientos de luces y por lo tanto de sombras, la superficie de un simple limón va cambiando gradualmente, como una luna que va pasando por todas sus fases, hasta convertirse en lo que podría parecer el seno de una mujer. No es el hecho de pensar que querrá decirnos a través de un limón que se convierte en una parte del cuerpo, sino es exactamente el hecho de que visualmente un limón puede convertirse en un seno , aprendiendo a ver a través de el, de su textura y de la manera en la que refleja la luz y delinea las sombras. Frampton aprende de las imágenes, ha conocido los limites que construimos a nuestra propia mirada con el pasar del tiempo y los cruza perfectamente como un ser vivo cuya existencia radica en gran parte en su capacidad de observar.

La descomposición del objeto en si, trae nuevos significados y conceptos como lo entendimos anteriormente , su repetición y alteración desde la edición del material también le funciono a Frampton para crear nuevas atmósferas, nuevos discursos sobre cuestiones ya establecidas. Critical mass que comienza con un audio un tanto perturbarte, la conversación de dos jóvenes entrecortada y sus partes repetidas constantemente, con una pantalla en negros que a veces nos hace sentir cercanos a la incomodidad.

Como la conversación de un tartamudo que intenta desesperadamente concluir sus palabras, los personajes de esta película repiten sus frases hasta que estas mismas dejan de tener sentido y al mismo tiempo lo tienen todo. Una discusión interminable, repetitiva que termina por hacerse molesta , me recordó mil veces a las discusiones entre un hombre y una mujer, llenas de egos y orgullos. No es casualidad que es el tema original de la película. El autor le da a la imagen la misma sensación de asfixia, que tiene la pareja, haciendo un paralelismo entre la acción y la forma en la que esta se relata. Un buen fotógrafo sabe adaptar su ojo a la situación, sabe cuando debe de navegar con cautela y discreción, como la cámara de Tarkovsky que parece casi flotar alrededor, o la cámara intrigante de Kubrick que persigue concisa la acción como quien no quita el ojo de encima. Lo mismo sucede con Frampton. 

Estoy segura que el video original de la conversación entre ambos mujer y hombre debe de haber sido mucho mas liviano y mucho menos catártico, levantando lo que fuese menos una sensación en el espectador. El trabajo artístico y único entra cuando el director es capaz de traducir ese lenguaje de tensión contenida para así poder dárselo a la imagen y por lo tanto a la vista.

Muchas veces la descomposicion de un solo, genera nuevos conceptos que aluden a diferentes motivos y atmósferas. El trabajo realizado en Winter Solstice, vendría a ser el opuesto dentro de mi perspectiva. Imágenes de fuego, humo, metales derretidos que se confunden con lava, varias imágenes que juntas eluden a algo en particular, la luz, el calor, la energía, la transformación.

El color siempre de la mano y la situación nos generan un ambiente en el que casi sentimos calor. El lugar no importo para Frampton quien experimenta con imágenes con fondos negros que nos permiten ni siquiera cuestionarnos que hay por detrás de ellas porque no es importante. Toda nuestra concentración se enfoca en el objeto y en la acción que este realiza.

Winter solstice

Star Spangled to Death de Ken Jacobs

Jacobs a través de la recopilación de distintos materiales entre tantos caricaturas y videos de experimentos originales, busca insasiablemente encontrar un discurso político atrás de sus obra. En Star Spangled to death, la búsqueda de critica y burla nacional hacia un país como estados unidos es evidente. La presentación de una sociedad empoderada que basa su fuerza y control en la forma en la que infunde miedo, es bastante clara en apenas la primera hora de la película, cuya duración original es de seis horas.

De momento la recopilación de ciertos materiales parece confusa. No podemos evitar prestar atención a cada uno de ellos como un individual ,pero el efecto real esta basado en el conjunto de estas imágenes y videos como grupo. Es ahí donde después de caricaturas y experimentos con un chango podemos entender el mensaje establecido, que finalmente es la autocrítica a la sociedad estadounidense basada en el consumo y el robo personal. Recuerdo con especial claridad los videos de experimentación con el chango, en el que los científicos generan un doble de la madre para descubrir si finalmente pueden engañar al chango y hacer que su propio instinto la traicione, a partir de una forma de manipulación. El chango finalmente pierde sus características instintivas como chango y no denota la diferencia entre un chango real y uno de peluche y poco después es peor puesto que no distingue de un chango de plástico de uno de metal que ya ni siquiera cuenta con el físico de un chango.

Los videos de los vagabundos, mezclados con otros contenidos , también recuerdan un extraño y desagradable control sobre la sociedad en donde quien no pertenece se convierte en un renegado. Jacobs logra generar un explosión de sentimientos y sensaciones inevitables de manifestar en el espectador. 

Imágenes que hablan.....

James Stanley Brakhage,  es conocido como una de las figuras mas importantes dentro del cine experimental. Sus distintos encuadres, juego de formatos, texturas, colores, superficies, luces y sombras generan una atmósfera provocadora llena de mitos artificiales pero a la ves una gran sensación de vida y excitación.

Dicen que la belleza permanece en los ojos de quien la mira, pues Brakhage debe de haber tenido los ojos mas bellos, capaces de dar motivo y razón a las cosas mas insignificantes .

Las herramientas llevadas a su máximo exponente, la edición y los cortes formados sobre la misma fila, dictando los ritmos de imágenes que juegan a ser notas en espera de una partitura musical, así se escucha Cathexis, que entre bellos destellos de colores y figuras prácticamente desconocidas, sentimos los brochazos de un pincel con óleo sobre un lienzo que esta siendo pintado o las cuerdas de una vieja guitarra que a tocado ya varias veces.

En ningún momento extrañamos a la música ni al sonido, porque ya están implícitos dentro de la imagen, que con sus constantes vibraciones y movimientos termina por generar un ruido que mantiene un ritmo y armonía.

Mothlight una de sus obras anteriores, menor en duración, provoca una mirada mas profunda que busca detalle en lo mas pequeño y cotidiano. Siguiendo un mismo tono que varia entre los tonos rosas y rojos acompañado de fondos blancos, apenas alcanzamos a percibir lo que podrían ser partes de pétalos o plantas de algún tipo. Una especie de mirada microscópica, que nos permite descubrir las mínimas particularidades de elementos que apenas dejan conocerse.

Mothlight (1963)

No quisiera poner palabras ni significados específicos a las obras de este gran artista, que a pesar del uso de elementos vanguardistas buscan capturar únicamente al ojo , alejándolo de cualquier tipo de razonamiento. pero la verdad me es difícil no encontrar alguna similitud o significado propio, probablemente ese sea parte del objetivo final, que cada quien saque concusiones y sus propios resultados partir de su experiencia., pero para eso debemos dejarnos ir al ritmo que las imágenes dictan, sin buscar una explicación absoluta. Es justamente ahí donde radica la grandeza de sus películas, que a pesar de poder detonar miles de sensaciones individuales distintas unas de otras, todo proviene de un común denominador que trabaja sobre las mismas bases sobre cualquier espectador.

Retomando su temática exploradora , pura e intimista pensamos en Window water baby moving, que me parece su pieza mas cercana a la realidad. La presencia de un parto , como cualquier experiencia deslumbradora por si sola, logra arrebatarnos las palabras la mayoría de las veces, dejándonos frágiles a merced de la situación, pero en esta pieza el artista no solo tuvo la capacidad de presenciar y ser testigo sino de mimetizarse junto con su cámara en aquel preciso momento.

De pronto olvidamos que estamos presenciando un parto, dejamos de mirar con morbo y curiosidad, con angustia y excitación y comenzamos a mirar hipnotizados. Concentramos nuestra atención en detalles que nunca hubiésemos percibido, el cambio de roles, de madre a hijo, las manos, el agua y los reflejos.

El momento ha pasado a segundo plano, pero su principal elemento, la vida, se convierte en lo mas importante. Vemos la perfección de la reproducción, del cuerpo y de los comportamientos. Un ejercicio de sentidos que debe de ser captado por los propios sentidos. A eso es a lo que yo llamo saber ver, Brackage le arrebata al tabú, una de las condiciones naturales mas importantes de la vida , el nacimiento de un ser humano, que ha sido clasificado y premeditado por anos entero, robándole su cualidad única y perfecta al mismo tiempo.

Brackage nos devuelve, el sentimiento. En un sentido metafórico me gusta pensar que la ausencia de sonido como tal, es este caso esta ligada a la exigencia de un momento tan demandante en cuestión de sensibilidad y que un poco de música o de sonido, rompería justamente con esa armonía que le da a un suceso tan histriónico un toque de completa belleza artística.

En Comingled Containers nos adentramos en los azules oscuros, imágenes que parecieran agua en movimiento, pequeños círculos que a mi percepción recordaban a los círculos que se forman cuando apretamos nuestros ojos después de llorar, o cuando apenas dejamos filtrar las luces del exterior a través de los parpados. El agua corriendo reflejando distinto tonos  que van de los ocres a los grises profundos, generando una atmósfera completamente distinta a las obras de su autoría que mencione anteriormente. Vibraciones de luz, que marcan pautas cuando se contrastan con los obscuros.

Significados y sensaciones logrados únicamente a través de la contraposición de imágenes, que en algunos casos imitan la sensación de movimientos sin ni siquiera estarlo, como en el caso de Black Ice, que desde un principio juráramos que la cámara se estuviera moviendo hacia adentro, marcando un punto de fuga y una increíble sensación de profundidad, cuando realmente los colores , las luces y las sombras son las que van cambiando de lugar mientras que le imagen permanece siempre en la misma posición.

Quisiera pensar que su trabajo es dentro de cierta manera sencillo y que en un caso dado todos podríamos acceder a el, pero después de entrar en las obras desde una posición distinta, logramos entender que la forma en la que Brackage observa es única y que otorga una convivencia perfecta entre las imágenes, que estoy segura consta de mucho mas que tan solo elegir algunas al azar para después pegarlas en edición.

Es un hecho que el ejercicio artístico de Brackage es la búsqueda del poder de la imagen sin  el discurso que la fundamente como tal, lo que hace que su trabajo sea aun mas atrevido y riesgoso, puesto que no recae sobre ninguna narrativa o explicación, solamente busca ser y así ser captado. No solo un reto para el artista sino mas bien un reto para el espectador, que se ve forzado a ver de nuevo, con los ojos de alguien que mira por primera ves.