Mildred Strand

Nacida Mildred Strand en el norte de California le dieron el apodo de "Chick" por su padre. Strand estudió antropología en Berkeley , y en la década de 1960 organizó la película acontecimientos con Bruce Baillie . En 1961, Strand y Baillie, entre otros, fundaron lo que más tarde se convertiría en la Cinemateca de San Francisco bajo el nombre de Canyon Cinema .

Durante mucho tiempo, estuvo relacionada con el trabajo audiovisual y también con el mundo de la pintura. Dicen que los verdaderos artistas de la imagen, son o fueron en algún momento pintores.

Sus películas han sido exhibidas en el Museo de Arte Moderno [7] y la Tate . [8] Una película de promoción temprana para Sears , hecho con Pat O'Neill y el Parque de neón, se lleva a cabo junto con su cuerpo completo de trabajo en la colección de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas.

En Fake fruit Factory, retoma claramente la mirada artesanal y se la devuelve a la imagen en video. Las tomas cercanas, nos devuelven una parte de la mujer meticulosa, cuidadosa e incondicional de si misma. Lo mismo sucede en Reassamblage de Trinh T. Minh Ha  en la que la mirada feminista por parte de la dirección es indiscutible. En lugar de colocar la atención en los elementos exteriores, la autora se centra en las características del cuerpo visto no desde un aspecto morboso sino desde una mirada natural.

Strand reside en las manos de estas mujeres , la meticulosidad de su trabajo habla por ellas, sin que tengamos que ver sus caras bien definidas. Solo escuchamos sus voces de fondo, las cuales o sabes ni a quien corresponden y por lo tanto permitirnos centrarnos en sus palabras directamente, que vendría a ser lo importante.

Las relaciones intimas que estas mantienen con su jefe , se dan sobre entendido desde un principio, pero aun así a través de una extrema y perfecta sutileza en donde en ningún momento se vuelve incomodo , sino todo lo contrario, la estética nos hace sentir en armonía con su realidad , al igual que ellas.

 

Naomi Uman

Hablando de reconstrucción , este seria un perfecto ejemplo de deconstruccion de un material especifico. En Removed, Uman utiliza material de distintas fuentes, en su mayoría escenas de películas porno como base de su discurso. El audio , permanece intacto, la alteración reside directamente en la imagen , a la cual se le abstrae el objeto de atención principal, tanto del personaje presente en la película como del espectador , generando una ausencia en la narrativa y en el motivo de original del momento.

En este caso ese objeto de atención es el cuerpo de la mujer, elemento que viene cargado de significados y mensajes que se le han otorgado con el tiempo. Lo interesante es pensar la fuerza de este video o en todo caso pensar en donde reside la fuerza de la pornografía? este video sigue siendo erótico aunque no podamos ver el cuerpo desnudo que nos lleva directamente a comprender una tensión sexual entre espectador y pantalla?

Me parece un ejercicio tan simple, pero a la ves tan complejo. El simple hecho de remover el elemento de atracción del video, cambia radicalmente su narrativa, hasta las propias reacciones del personaje masculino, pierde para mi gusto un poco de intensidad por no contar con el elemento contrario que las apoye y las justifique.

Una critica bien planteada, sobre el cuerpo de la mujer visto únicamente como objeto sexual, siendo consumido en su forma mas básica , sin lograr ir un poco mas allá. Críticamente también se lleva a la pornografía entre las patas al confirmarnos el poder tan elemental y básico de la perversión producida por la pornografía, que finalmente reside en lo mas vital que es el cuerpo y que sin este , su discurso tiende a desdibujarse.

Dara Birnbaum

Nació en 1946 en Nueva York , EE.UU., donde continúa viviendo y trabajando. Dara utiliza el vídeo para reconstruir las imágenes de televisión telenovelas, programas deportivos, talkshows, etc .

Sus técnicas consisten en la repetición de las imágenes y la interrupción del flujo con texto y música. Ella es también conocido por formar parte del movimiento de arte feminista . Su mas importante e interesante aportación fue Wonder Woman, que realizo en 1978, para invertir la ideología y el significado impuesto por las series de televisión.

En Wonder woman, a partir de distintos cortes de edición, repeticiones, y tomas en reversa, considero que Dara descontextualiza a la mujer icónica y poderosa que propone la televisión y la deja parada como una completa estupida , que es lo que realmente es. A lo que voy en un nivel mas critico, es que la autora burla directamente de la inverosimilitud del mensaje impuesto por el contenido original, y solo con ciertos toques lo desfasa haciendo quedar al material en completo ridículo.

Lo interesante del asunto es pensar que con tan solo con unos toques y una pequeña reconstrucción del video, la narrativa y el propósito del video cambia por completo, lo que una ves mas nos recuerda lo frágil del contenido en si.

En el ano de 1979 comenzó a editar videos de forma rápida, generando una especie de collage de puro material apropiado. Sus obras son claramente feministas en su mayoría, en donde el discurso no se pierde de la claridad y también de un rato de buen humor.

Abigail Child

Desde la década de 1970, esta cineasta experimental y poeta se ha comprometido en una especie de arqueología cultural, dedicada a desenterrar metraje proveniente de distintas fuentes como películas industriales, vacaciones y películas caseras, loops porno entre mucha otras. Recicla el material otorgándole un nuevo enfoque a los contenidos.

Si bien este enfoque sugiere el reaccionario, el resultado es, de hecho, todo lo contrario. El trabajo infantil, el cual juega periódicamente en lugares como el Museo Whitney y la Cinemateca de San Francisco, es la forma más sutil de provocar agitación y propaganda. A través del montaje, tanto visuales como de audio, Child logra una delirio visual sin estar consciente de ello.

 

Perils y Mayhem son parte de una serie de cortometrajes , llamada "Is This What You Were Born For?" .

Otra entrada de esta serie es Mercy (1987), de apenas 10 minutos, pero llena de poderosas imágenes, que hacen alusión a las fantasías de Child, quien va poco a poco entretejiendo tiros de películas caseras, el cine industrial, y varios tipos de material de archivo que al final se encuentran en un collage ingenioso.

La película con autoridad invierte el síndrome de momentos Kodak en su breve tiempo en funcionamiento. Una escena de colores apagados de un soldado corriendo a los brazos de su familia, probablemente un tiro en la década de 1950. La espiral de las imágenes tiene un efecto casi vertiginoso, pero algunos de ellos permanecen el tiempo suficiente para inquietar, como en el disparo de un hombre desnudo.

En blanco y negro, Perils es una obra que cuenta con la participación del espectador con una parodia del cine mudo vertiginoso que muestra a sus personajes en una gran variedad de distintas poses generando un melodrama fragmentado. Child hace yuxtaposiciones de la imagen en este trabajo realizado entre 1985 y 1987 con cortes rápidos , uno encima del otro. Su uso del sonido es tremendamente incluyente y un reto constante, incorporando todo, desde figuras de piano , gritos de superposición que al final nos llevan a un significado poco claro y desorientado.

En Mayhem de 1987 , se trabaja mas o menos sobre las mismas bases, la diferencia es que intercala algunos fragmentos de cine noir . Child tienta al publico con imágenes en blanco y negro constantemente , rápidamente entre cortadas , para generar un material bizarro que saque al espectador de sus butacas. Se acerca en algún sentido, un poco al formalismo de Dziga Vertov.

Videoletter de Suji terayama

Suji terayama fue uno de los artistas mas productivos y provocativos en Japón. Videoletter es un a obra con una temática sumamente personal, al grado que me parece difícil de abordar. Cuando una obra se es tan intima a veces las puertas del entendimiento no son generales y para el espectador es un reto comprender la visión y el sentimiento tan especifico y particular por parte del autor.

Me gustaría hablar de un momento en particular. A partir de sus objetos mas preciados , el personaje se establece a si mismo, lo dice todo sin realmente decir nada. Es sumamente interesante pero a pesar de ser bienes y objetos superficiales , mucha veces los objetos construyen una imagen de lo que somos, delatándonos de la manera mas vil pero mas exquisita. Al personaje nunca se le ve, lo cual es aun mas interesante porque toda nuestra información recae en los objetos en pantalla y a partir de eso generamos el autorretrato.

 

Puede considerarse aburrido, pero a comparación de que? Creo que finalmente el objetivo  a diferencia de lo que hemos visto en otros artistas diferentes, es completamente opuesto. Aquí no existe un termino como el ritmo, o la belleza estética, y por lo mismo sobraría decir que es mas aburrido que los otros videos , porque ni siquiera busca abarcar lo mismo.

La dialéctica y el discurso son completamente claras, y funcionan a la perfección, generando en el espectador una especie de intriga sobre quien realmente y como se ve este personaje, para poder comparar con la imagen que le hemos otorgado a partir de sus pertenencias mas cotidianas que finamente lo hacen diferente a los demás.

 

Standish Lawder

En Necrology el artista Standish Lawder nos muestra durante un video que se resuelve en minutos la toma de distintas personas paradas, a la espera de algo. Al principio no logramos comprender a nivel visual, si la cámara es la que sube o si realmente la gente es la que esta bajando y la que esta en movimiento. Pareciera de entrada unas posibles escaleras eléctricas, pero la posición casi vertical en su totalidad de este grupo de personas hace difícil de creer que se haya hecho así.

Si continuamos viendo el video comenzaremos a dirigir nuestra mirada y atención a otro tipo de elementos. Aunque la imagen va transcurriendo rápidamente, no podemos evitar como espectadores intentar retener algún detalle especifico en nuestra mente. Intentamos encontrar la manera de distinguir a estos personajes, cuando al final, a pesar de algunos elementos hay permanecido en nuestro estado de conciencia, al final recordamos a todos estos sujetos como un grupo y no como individuales. Lawder hace un gran trabajo al recordarnos que las características que nos distinguen los unos de los otros, son tan notorias cuando miramos con un microscopio pero tan insignificantes cuando miramos desde fuera.

No hay personalidad , no hay diferencia, no hay individualidad, solo son un grupo de personas que a grandes rasgos son mucho mas parecidas de lo que alguien podría pensar.

Tiempo después a través de algunos movimientos realizados por algunos personajes, note que el video va en reversa, y que realmente podríamos estar hablando de que la creación del video tuvo lugar en las escaleras eléctricas de una gran estación de tren como es Grnd Central en Nueva York. El elemento en reversa , hace que perdamos la sensación y el movimiento de una escalera eléctrica y que por momento sintamos que somos nosotros junto con la cámara los que escaneamos a la gente. La rapidez y cierta sincronía accidental del momento, también le da un sentido de perdida de particularidad entre cada quien, haciéndonos ver como un animal dentro de un ganado.

Hablando específicamente de Corridor, considero que es una pieza completa en cuanto a construcción de ambiente y propuesta y la manera en la que ambos sobrecogen repentinamente al espectador. El pasillo de lo que podría ser cualquier piso, de cualquier edificio, en cualquier ciudad, en cualquier lugar, pierde por completo sus características mas vitales, haciendo que el espectador deje de cuestionarse su origen, sino mas bien preguntarse sobre su nuevo significado. Me atrevería a decir que el pasillo mismo deja de ser un pasillo en algunas ocasiones, y a partir de contrastes y de cambios de luz, se logra provocar en el espectador una sensación de cambio de locación , siempre estando en el mismo lugar.

El pasillo en si durante tal periodo de tiempo, terminaría por ser monótono, pero es a partir de las distintas perspectivas que se plantean que el lugar cambia y al final casi olvidamos donde estábamos originalmente.

 El planteamiento como perdida o alteración de la percepción es muy claro, tan claro que se infiere de inmediato una sensación de alteración en el organismo ya sea por alguna droga o sustancia ingerida, esa es la sensación que se provoca. Por un momento nos sentimos inseguros hasta que al final el video toma control completo sobre nosotros y nos dejamos ir , en lo que podría ser un viaje de luz y sombras , ritmo y música. Viajamos sin movernos.

Nam June Paik

Quisiera empezar hablando un poco sobre el origen de este afamado artista. De origen Coreano, Nam June Paik fue un artista estadounidense a quien se le considera el primer, video artista. Se formo como un pianista durante su vida en Seúl, viéndose forzado tiempo después a huir a Hong Kong y luego a Japón en donde realizo sus estudios universitarios.

Tiempo después se traslado a Alemania para estudiar música en Munich, así fue como conoció el trabajo del conocido John Cage. Se unió al movimiento artístico Neo-Dada usando ruidos y sonidos cotidianos para hacer música y poder generar distintos ambientes. Hizo su debut en una exposición de música electrónica.

Se traslado a Nueva York durante los sesentas y comenzó a trabajar al lado de Charlotte Moorman, una importante violonchelista, con ella fue con quien comenzó a utilizar la imagen al lado de la música, proyectada en pantalla. Tiempo después Sony presenta el portapak con el que ahora Paik podría mover y registrar las cosas, debido a que fue el primer video y grabadora de audio portátiles , convirtiendo a Paik en una celebridad a nivel internacional, conocido por sus obras creativas y entretenidas.

Global Groove de 1973 contiene fragmentos de diversas disciplinas populares, como la danza tradicional y contemporánea , con características a veces occidentales, a veces asiáticas se presentan las imágenes con la única intención de ser percibidas en tiempo presente . Paik genera un universo de movimientos y colores, en el que los cuerpos dejan sus estelas y sus caminos marcados dando la sensación de que liberaran energía. El ritmo y la estetica son característicos de este artista quien mas que un contenido profundo , busca el mero aprovechamiento del momento.

Las imágenes y las secuencias se tratan como objetos moldeables , ligados a través de transformaciones que nos llevan de una a otra. Elementos como la multiplicación, saturación de luz y de color, sobreimpresión y cambio entrecortado de secuencias , le dan un toque de complejidad al video , sobretodo por los cambios que se representan y la aparición fugaz de las formas abstractas.

Nam June Paik independientemente de su capacidad para la creación puramente estética, logra dejar en claro su idea inicial, la cual le produjo la necesidad de crear un video como Global Groove, la critica contra la influencia de la televisión y la electrónica en la sociedad y en el pensamiento. Nos muestra como todo es procesado por los medios de comunicación de televisión, a través del video. Nada por mas vacío que se le pueda considerar, puede ser visto como un simple video, siempre hay por lo menos un mensaje que leer por detrás. Como en este caso sucede el artista nos aclara que el medio, en este caso el video finalmente es la experiencia estética pero a la ves el mensaje.

En Suite 242 Paik presenta un collage electrónico que muestra distintas perspectivas sobre los medios de comunicación de Nueva York, distintas visiones de la ciudad como si fuese una especie de ojo espía por el que se viera todo a escondidas. Critica la venta de Nueva York por parte de las corporaciones multinacionales  colocando a la ciudad como dueña de las industrias que finalmente la controlan y la hacen lo que es. Logramos ver imágenes y pequeñas secuencias de la ciudad de forma acelerada y vibrante, con algunas entrevistas que se intercalan al transcurrir del video.

En Marcel by Mercer , June Paik creo video obras concebidas en forma de programas de televisión , haciendo homenaje a distintos artistas , entre ellos John Cage uno de los mas importantes. En este video desarrolla el concepto de la bailarina mediante la presentación de sus argumentos principales en la imagen, que luego poco a poco se va interrogando a si mismo con frases en la pantalla . A través del ritmo utilizado una ves mas pone la obra en un contexto listo para ser enjuiciado por el mismo espectador.

La introducción a la obra es sumamente interesante, creada con consejos y pistas sin definir bien las relaciones, Mercer Cunningham y Jasper Johns se escuchan únicamente, teniendo una conversación mientras que en la pantalla vemos a una bailarina coreógrafa , en un espacio limitado.

Las secuencias de video danza incluyen sonidos sobrepuestos, extractos musicales, sonidos electrónicos y efectos de sonido (ruidos de fondo, conversaciones, ladridos , etc.). La presentación de las entrevistas es distinta, no se presentan como elementos de conocimiento sino como grabaciones del pasado que existen hoy en día para complementar el poder y credibilidad del video.

Good Morning, Mr. Owell, fue la primera  instalación satelital a nivel internacional, salio al aire a nivel nacional dentro de los estados unidos y mas de 25 millones de personas tuvieron la oportunidad de verla a nivel mundial. George Pimpton fue quien condujo el show , en donde se combinaran momentos en vivo y también grabaciones realizadas previamente por Paik . John Cage hizo la music a desde Nueva York que acompaño gran parte del show, para después dar entrada también a música compuesta por Phillip Glass. Paik fue el autor del suceso y quien coordino que todo sucediera correctamente.